Урок №13-№14 (48-49)
Информация: Сайт Шедевры ЭРМИТАЖА
Эрмитаж
Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге является одним из самых крупных, древних и наиболее важных и известных музеев и галерей искусства во всей истории человечества. Шикарная коллекция Эрмитажа выставляется в шести корпусах, самое главное из которых – Зимний дворец, который всегда был официальной резиденцией русских царей.
Жемчужинами экспозиции Эрмитажа, посвященной Западному искусству, являются работы Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рубенс, Ван Дейк, Рембрандт, Пуссен, Клод Лоррен, Ватто, Тьеполо, Каналетто, Канова, Роден, Моне, Писсарро, Ренуар, Сезанн, Ван Гог, Гоген, Пикассо и Матисс. В Эрмитаже представлены и другие коллекции, среди которых русские императорские регалии, ювелирные изделия Фаберже и потрясающая огромная коллекция древних изделий из золота Восточной Европы и Западной Азии.
Екатерина Великая начала сбор шедевров искусства еще в 1764 году, когда приобрела в Европе более двух сотен картин. Русским послам за границей доплачивали премии, если они помогали правительству купить лучшие экспонаты. Екатерина называла свою галерею – мой эрмитаж, что с французского означает место уединения. Очень немногие люди видели все красоты этого собрания шедевров. В одном из своих писем она жаловалась, что «только мыши и я можем восхищаться всем этим». Имя Эрмитаж она дала и своему маленькому частному театру, построенному в промежутке между 1783 и 1787 годами.
Постепенно коллекция императрицы получала новые вливания греческих и скифских памятников культуры, которые были обнаружены в процессе археологических раскопок на юге России. Так была основано одно из богатейших в мире собраний древних изделий из золота, в котором существенную часть занимают сокровища Трои, найденные Генрихом Шлиманом и изъятые из музея в Берлине красноармейцами в 1945 году. Чтобы содержать постоянно расширяющуюся коллекцию греческого, римского и египетского антиквариата, Николай I выписал в Россию немецкого архитектора-неоклассика Лео фон Кленце, чтобы он спроэктировал и построил здание общественного музея. Новый Эрмитаж был, возможно, первой целевой галереей в Восточной Европе, которая была открыта для публичных посещений в 1852 году.
Русские цари продолжали пополнять свое собрание, так в Италии были куплены Леонардо да Винчи, Ян Ван Эйк и Рафаэль. А коллекция полотен Рембрандта в Эрмитаже считается самой полной в мире. Во время революции императорский Эрмитаж объявили частной собственностью. В это время начинается национализация коллекций, особенно сильно на современное искусство повлияли Сергей Шукшин и Иван Морозов. Новые поступления включали в себя последние работы Гогена, сорок кубистских картин Пикассо. Сюда были завезены такие шедевры, как «Танец» Матисса и «Ночное кафе» Ван Гога.
Советское правительство не уделяло большого внимания содержанию «буржуазного и декадентского» искусства. Сталин вообще приказал продать за рубеж несколько особенно ценных полотен Эрмитажа. Среди них была «Альба Мадонна» Рафаэля, «Венера с зеркальцем» Тициана, «Благовещение» Яна Ван Эйка. Приобретены они были Эндрю В. Меллооном и помещены в Национальную художественную галерею в Вашингтоне. Во избежание последующих потерь тысячи работ были перевезены в Пушкинский музей в Москве и другие музеи на территории СССР. Некоторые коллекции попали в руки врага во время блокады Ленинграда, когда здание Эрмитажа подвергалось воздушной атаке. Черный период для Эрмитажа был окончен в 1945 году. К тому времени правительство определилось с передачей музею предметов искусства, захваченных красноармейцами в Германии во время Второй мировой. Самой ценной частью добычи были импрессионисты и постимпрессионисты из частной коллекции немецких буржуа.
С 1995 года эти полотна считаются утерянными. Правительство России считает их только малой расплатой за ущерб, нанесенный нацистами Петергофу и Царскому селу. Если бывшие владельцы были причастны к финансированию нацистского режима, изъятые картины им не возвращались, такое решение приняла Государственная дума России.
Посмотри фильм "Шедевры ЭРМИТАЖА"
Знать картины
итальянское искусство XIV—XVIII веков:
Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)»
Рафаэль «Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)»
Тициан «Кающаяся Мария Магдалина»
испанская живопись XVI—XVII веков:
Доменико Эль Греко «Апостолы Петр и Павел»
Питер Пауль Рубенс «Портрет камеристки инфанты Изабеллы»
Рембрандт Харменс Фан Рейн «Возвращение блудного сына»
английское искусство XVIII века:
Томас Гейнсборо «Портрет герцогини де Боуфорт(?)»
французская живопись XVII—XVIII веков:
Франсуа Буше «Пигмалион и Галатея»
Пьер-Огюст Ренуар «Портрет актрисы Жанны Самари»
Пабло Пикассо «Любительница абсента»
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
1452-1519
1478 г. Холст, масло, переведена с дерева. 49,5 X 31,5 см.
Леонардо да Винчи — наиболее яркий выразитель стремлений и идеалов эпохи Возрождения. Многосторонне одаренный человек, он проявил свой талант не только в искусстве, но и во многих областях науки. Впитав лучшие достижения культуры раннего Возрождения, обобщив опыт художников XV века, Леонардо своим творчеством указал дальнейший путь развития искусства. От свойственного раннему Возрождению аналитического подхода в изучении природы он перешел к синтезированию накопленных человечеством знаний об окружающем мире. В искусстве Леонардо проявились черты, ставшие характерными для Высокого Возрождения: создание обобщенного образа человека, построение монолитной композиции, освобожденной от излишней детализации; гармоничная связь между отдельными элементами картины. Крупнейшим достижением художника явилось использование светотени для смягчения контуров, для обобщения форм и красок. Немало сделал он для развития портретной и пейзажной живописи.
Немногие произведения Леонардо да Винчи дошли до нашего времени, в мире насчитывается меньше десятка его работ. Одни остались незаконченными, другие были дописаны его учениками. В Эрмитажном собрании хранится два его произведения: «Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)» и «Мадонна Литта».
Сохранилась запись самого художника, из которой явствует, что картину он начал писать в октябре 1478 года в возрасте двадцати шести лет. Отказавшись от традиционного облика Мадонны, Леонардо изобразил ее совсем юной, с нежной улыбкой любующейся Младенцем. В картине, несомненно, чувствуются жизненные наблюдения художника. Строго продуманная композиция проста и предельно обобщена. Мать и ребенок объединены в неразрывную группу. В произведении использованы богатые возможности светотени для лепки форм, для придания им особой объемности и выразительности. Тонкость светотеневых переходов, производит характерный для работ Леонардо эффект, когда все изображение кажется окутанной воздушной дымкой.
РАФАЭЛЬ (Рафарлло Санти, или Санцио)
1483 — 1520
Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)
Холст, масло, переведена с дерева. 17,5 X 18 см.
В искусстве Рафаэля Высокое Возрождение нашло наиболее яркое и законченное выражение. Он достиг совершенства в создании образа идеально прекрасного человека, ясной гармонии в композиции, виртуозности в рисунке. Его произведения строго продуманы, четко построены и вместе с тем естественны и просты. За свою короткую жизнь Рафаэль создал много станковых картин, всемирно прославленные фрески, превосходные портреты. Он был также архитектором и руководил археологическими раскопками. Сюжеты произведений Рафаэля разнообразны, но на протяжении всей жизни художника особенно привлекал образ женщины-матери, воплотившийся для него в Мадонне. «Мадонна Конестабиле» — одно из самых ранних его произведений, — открывает галерею этих образов.
Примечательно, что эта небольшая работа была выполнена Рафаэлем в 17 лет. Уже в столь юном возрасте, будучи учеником в мастерской Перуджино, он проявил свою творческую индивидуальность и мастерство. В плавных линиях этого произведения, в цветовых оттенках, в позах и лицах Матери и Младенца выражена вся безменность нежности, любви, целомудрия и гармонии. Особенно поэтичен и пленителен пейзаж с цепью заснеженных гор, голубыми далями, тонкими хрупкими деревьями, свежей зеленью лугов, разливом реки, по которой скользит маленький челн. Это прекрасный образ пробуждающейся природы. Ощущение безмятежности и гармонии усиливается благодаря спокойному ритму мягких, плавных линий контуров фигур Марии и Христа. Обращает на себя внимание поза Младенца. Он так сознательно держится за книгу и смотрит на ее страницу столь осмысленным взглядом, что создается впечатление, будто он внимательно ее читает.
ТИЦИАН (Тициано Вечеллио)
1485/90-1576
Между 1566 и 1570 гг. Холст, масло. 118x97 см.
Слева: Titianus p.
«Кающаяся Мария Магдалина» потрясает силой и глубиной человеческого чувства, прекрасно понятого и переданного Тицианом. Художник воспроизвел не религиозный экстаз раскаявшейся и удалившейся от мира грешницы, а страдание женщины, земной и прекрасной, оставшейся наедине со своим горем.
Картина написана широко и свободно, мастерски моделированы светом и цветом тело и лицо Марии, великолепно передана фактура предметов. Тяжелые, отливающие золотом волосы струятся по округлым плечам и упругой груди, губы распухли, глаза воспалены от обильных слез, мягкие драпировки одежды окутывают тело; холодом веет от гладкого серовато-зеленоватого черепа, сдержанные блики играют на стеклянном сосуде.
Картина была создана Тицианом в позднюю пору творчества, в 1560-х годах. По-видимому, она произвела большое впечатление на современников, и многие хотели иметь экземпляр этой композиции: до нашего времени дошло несколько вариантов и копий с нее.
КАРАВАДЖО (Микеланджело Меризи)
1573-1610
Ок. 1595 г. Холст, масло, 94 x 119 см.
Творчество Караваджо сыграло огромную роль в развитии итальянского искусства и оказало влияние на многих живописцев различных стран Европы. Он явился родоначальником реалистического направления в живописи XVII века, получившего название караваджизм.
Изображения на религиозные темы были широко распространены в искусстве того времени. В своих картинах на темы из Библии или Евангелия Караваджо изображал под видом святых самых обыкновенных людей, часто грубых и некрасивых, но зато действительно взятых из жизни.
В средние века картины предназначались для украшения монастырей и церквей. Позднее, когда их стали писать и для дворцов вельмож и домов зажиточных горожан, сюжеты по традиции избирались из «священной истории». Но, под предлогом изображения религиозных тем, художники все более откровенно писали живых людей и современную им жизнь. Караваджо был одним из первых художников, которые стали изображать сценки из повседневной жизни, не маскируя их религиозной темой: игра в карты, ссора, девушка, играющая на мандолине, и т. д.
В юности художник часто изображал музыкантов, игроков в карты, гадалок. В Италии жанровая живопись как самостоятельный вид искусства только начинала складываться, и значение Караваджо в ее дальнейшем развитии очень велико.
«Юноша с лютней» был написан около 1S95 года для кардинала Франческо дель Монте, покровительствовавшего художнику. Караваджо изобразил молодого человека, поглощенного музыкой: взгляд его полон вдохновения, пальцы перебирают струны. Помещенные в картине предметы свидетельствуют о большой любви живописца к окружающему миру, о его стремлении к правдивому воспроизведению натуры, передаче материального качества каждой вещи. На нотной тетради, лежащей перед лютнистом, начертаны начальные ноты популярного в XVI веке мадригала «Вы знаете, что я Вас люблю».
Картина «Юноша с лютней» — одна из первых работ Караваджо, в которых использован прием светотеневого контраста, ставший в дальнейшем основным выразительным средством художника и заимствованный многими его последователями. Свет и тень не только лепят формы, делая их рельефными, выявляя объем тела и различных предметов, но и концентрируют внимание на главном.
Внимательно изучая натуру, Караваджо постиг эффект взаимовлияния освещенных предметов. Так, в эрмитажной картине он передал рефлекс, падающий на щеку юноши от его ярко озаренного плеча; сделал легкой и прозрачной тень на тыльной стороне лютни, так как на нее падает отблеск белых страниц нотной тетради.
Интересно отметить, что надпись на второй тетради нот, которую ранее читали как «Bassus» («бас»), ныне расшифровывают как «Gallus». Галлус—имя миланского музыканта, друга Караваджо. Некоторые утверждают, что «Юноша с лютней» — портретное изображение Галлуса. Однако тип юноши в эрмитажной картине близок тому, который встречается во многих ранних произведениях художника: вьющиеся волосы, мягкий овал лица, блестящие темные глаза, резко очерченные брови. Скорее всего в картинах изображена не какая-то конкретная личность, а дан обобщенный образ. В раннюю пору творчества Караваджо часто придавал молодым людям несколько женственные черты, что, впрочем, было характерно для всего итальянского искусства конца XVI века. Музыканта в эрмитажной картине принимали за музицирующую девушку и композицию называли «Лютнистка».
Известно, что из собрания кардинала дель Монте картина перешла к маркизу Джустиниани, из коллекции которого в 1808 году была куплена для Эрмитажа
ДОМЕНИКО ЭЛЬ ГРЕКО (Доменико Теотокопули)
1541-1614
1587—1592 гг. Холст, масло. 121x105 см.
Справа, внизу: e'poiei
Творчество Эль Греко трудно вместить в рамки одной национальной школы. Его произведения — итог развития всего европейского искусства XVI века.
Грек по происхождению, уроженец острова Крит, художник большую часть жизни провел в Толедо. Но прежде чем приехать на Пиренейский полуостров, он много лет работал в Италии. Мировоззрение Эль Греко сформировалось в стране самой развитой гуманистической культуры. Естественно, что его отношение к искусству было независимее, чем у современных ему испанских живописцев. Произведения Эль Греко, написанные на религиозные сюжеты, проникнуты философскими размышлениями о судьбах людей. В созданных образах он синтезировал свои представления о человеческих характерах. Эль Греко — автор новых, неизвестных до него в Испании, церковных циклов «апостоладос» (двенадцать апостолов во главе с Христом). К ним тесно примыкает эрмитажная картина «Апостолы Петр и Павел».
Сопоставление в одном произведении Петра и Павла представляло особый интерес для художника. Согласно священному писанию, Павел до принятия христианства яростно преследовал приверженцев этой веры, но, приобщившись к ней, стал фанатичным ее поборником. Напротив, апостол Петр, один из самых близких учеников Христа, не отличался последовательностью и силой духа. Он порой колебался, изменял христианству, но, раскаявшись, снова возвращался к нему.
В картине Эль Греко центральное место отводится Павлу. Он изображен в момент проповеди, опирающимся рукой на книгу (обязательный атрибут этого святого). Его фигура выделена не только фронтальным расположением, но и колористически. Темно-красный плащ святого с тяжелыми, широко уложенными складками — основной красочный акцент. Великолепно написана голова апостола: абрис очерчен сильно и энергично, четко проработаны объемы черепа, скул, носа. Темные горящие глаза делают лицо особенно выразительным. Павел трактован человеком сильным и убежденным. Рядом с ним Петр выглядит слабым, беспомощным. Его старческая седая голова склонилась, в выражении лица читается мольба о прощении.
Апостолы Эль Греко далеки от канонических образов святых, принятых официальной церковью. Они написаны в широкой, свободной, темпераментной манере, необычной для Испании XVI века и потому казавшейся особенно дерзкой. Когда смотришь на это произведение, становится понятным, почему испанский король отверг талантливого мастера: изображенные им святые не вызывают желания молиться.
ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС
1577-1640
1620 — 1621 гг. Холст, масло, переведена с дерева. 99,5 x 139 см.
Эрмитаж обладает большой коллекцией произведений Питера Пауля Рубенса, фламандского живописца, чье творчество явилось определяющим не только для художественного облика Южных Нидерландов его времени, но и для последующих поколений.
«Персей и Андромеда» — один из шедевров мастера. Картина написана на сюжет античной мифологии. Дочь эфиопской царицы Кассиопеи и царя Кефея, прекрасная Андромеда, должна была стать жертвой морского чудовища, опустошавшего страну. Прикованная к скале, ожидала она своей страшной участи, когда ее увидел пролетавший мимо на крылатом коне Персей, сын Зевса и Данаи. Опустившись на остров, он сразился с чудовищем и освободил принцессу. В награду за свой подвиг Персей получил в жены полюбившую его Андромеду.
Миф о борьбе и торжестве светлых сил над темными привлек внимание Рубенса — певца героического и жизнеутверждающего в природе и людях. Художник неоднократно обращался к этой теме.
Центральное место в картине отведено герою, которого увенчивает парящая над ним богиня Славы. На щите Персея — голова убитой им Медузы Горгоны.
Легким и ласковым жестом Персей прикасается к руке смущенной принцессы. Андромеда Рубенса — не идеальная античная красавица, а рыжеволосая, пышнотелая фламандка. Крылатый Пегас, еще не остывший после борьбы,— не сказочный, тонконогий скакун, а могучий конь, вспоенный соками тучных полей Фландрии. Все в картине— воплощение здоровья и силы, все исполнено трепета жизни, пронизано движением: стремителен полет Славы и амуров, окружающих героя, развеваются ткани, бьет копытами конь. Линии плавно извиваются, формы круглятся. Ликующему тону повествования способствует динамическое сочетание ярких, насыщенных цветовых пятен синего, красного, оранжевого. Во всей полноте проявляется изумительное мастерство художника в изображении обнаженного тела. Сочетание розоватых, желтоватых, голубовато-перламутровых оттенков создает впечатление живой, теплой сияющей человеческой плоти.
РЕМБРАНДТ ХАРМЕНС ФАН РЕЙН
1606-1669
Ок. 1663 г. Холст, масло. 262 X 205 см.
Справа и внизу добавлены полосы по 10 см. Слева внизу. В. Ryn f.
«Возвращение блудного сына» — одно из поздних, может быть, одно из последних произведений Рембрандта. Глубоко человечная по содержанию, совершенная по строгости и выразительности формы, эта картина является не только завершением творческого пути художника, но и величайшим шедевром мирового искусства.
Евангельская притча о блудном сыне рассказывает о том, как легкомысленный юноша, взяв причитающуюся ему долю отцовского имущества, покинул родной дом в поисках развлечений. Проведя жизнь, полную мытарств и позора, разоренный, оставленный неверными друзьями, он, наконец, решает вернуться в отчий дом, где находит прощение, любовь и отдых.
Запечатлен первый момент свидания. Охваченный раскаянием и стыдом, сын упал перед отцом на колени. Тело юноши прикрыто ветхими лохмотьями, ноги изранены. Маленькой и жалкой выглядит его обритая голова. Он ощутил ласковое прикосновение отцовских немощных рук, в блаженстве прикрыл глаза... Отец и сын еще не говорили друг с другом, но для примирения им уже не понадобятся слова.
Идея любви к обездоленному и страдающему человеку воплощена в лаконичной и предельно выразительной композиции. В картине доминируют строгие вертикали стоящих фигур, спокойных и величавых. Одеяния отца ниспадают широкими складками, очертания его фигуры полностью включают в себя контуры тела сына, что еще более подчеркивает их неразрывную духовную объединенность и придает группе особую монументальность. Освещение и колорит картины нерасторжимо связаны. В жарком горении красок, вызванных к жизни светом, фигуры как бы вырастают из темноты, и среди приглушенных зеленовато- и красновато-коричневых тонов окружения, в луче света, наиболее ярко выделяется красный плащ отца. Живопись в картине приобрела широту и свободу. В освещенных местах краска наложена выпукло-шероховато, часто не кистью, а шпателем или даже пальцем. Красочная поверхность, кажущаяся вблизи хаосом разнообразной формы мазков, становится на расстоянии выразительной и сверкающей.
1727-1788
Портрет герцогини де Боуфорт (?)
1770-е гг. Холст, масло. 76 X 64 см.
Томас Гейнсборо — один из крупнейших и наиболее своеобразных портретистов Англии XVIII века. В его искусстве проявились характерные черты английской живописи времени ее расцвета: непосредственность и свежесть восприятия натуры и высокое живописное мастерство. Но наряду с этим в произведениях Гейнсборо в большей степени,чем у его современников, ощущается влияние искусства ван Дейка, сыгравшего большую роль в развитии английской портретной живописи. Одно из лучших произведений художника — «Портрет герцогини де Боуфорт(?)» (есть основания сомневаться в правильности идентификации изображенного лица) — создано им в расцвете творческих сил.
Фигура молодой женщины в открытом платье из прозрачной белой ткани мягко выделяется на темном фоне. Ее напудренные волосы уложены в замысловатую прическу. Крупные локоны, спускающиеся на покатые плечи., оттеняют свежесть юного лица с полуоткрытыми влажными губами и миндалевидными темными глазами. Легким движением правой руки она придерживает на груди голубой шелковый шарф. Сероватые, голубоватые, розоватые и белые тона, кое-где усиленные яркими мазками, помогают передать изящество и красоту модели.
Живопись картины отличается исключительной легкостью и динамичностью. Тонкий слой красок сияет переливами нежных полутонов. Ощущение динамики усиливается своеобразным приемом художника: он как бы рисует кистью, а не пишет отдельные части портрета. Эта манера, напоминающая технику пастели, особенно заметна в трактовке волос изображенной дамы.
Смелость живописных приемов Гейнсборо поражала современников. Так, Рейнолдс отмечал «странные пятна и черточки» на картинах Гейнсборо, «которые кажутся скорее результатом случайности, чем сознательного намерения». Именно эта, не связанная академической традицией, техника является одним из высших достижений Гейнсборо.
ФРАНСУА БУШЕ
1703-1770
Ок. 1766 г. Холст, масло. 230 X 329 см.
Французский художник середины XVIII века Франсуа Буше—наиболее талантливый и яркий представитель стиля рококо. Он занимался буквально всем: живописью, гравюрой, миниатюрой, делал рисунки для скульптурных композиций, картоны, по которым на самых известных мануфактурах ткали шпалеры. В живописи он также не оставлял без внимания ни одной области — расписывал стены и потолки, выполнял тончайшие орнаменты на веерах, создавал небольшие картины и театральные декорации, писал пейзажи, портреты, мифологические пастушеские сцены и религиозные композиции. Неудивительно, что французское искусство XVIII века носило отпечаток его таланта. Буше не только имел титул первого художника короля, но был и любимым художником Франции.
Произведения Франсуа Буше высоко ценились в России многочисленными любителями искусства. Его неоднократно приглашали в Петербург, где он мог стать преподавателем Академии художеств. Долгое путешествие и неизвестная страна пугали избалованного художника. Но однажды Буше заколебался: осложнение отношений с парижскими коллегами заставило его подумать о переезде в Россию. Чтобы расположить к себе императрицу и академическое начальство, он в 1766 году прислал в дар Петербургской Академии большую декоративную картину «Пигмалион и Галатея», предназначенную для монтировки в стену или потолок. Довезти ее до Петербурга он поручил Этьену Фальконе, отправлявшемуся в Россию для выполнения памятника Петру I. Дар был принят милостиво, но помирившийся со своими врагами Буше не приехал в Петербург. Картина до 1922 года находилась в Академии художеств, затем была передана в Эрмитаж.
Сюжет произведения заимствован из «Метаморфоз» Овидия. В его стихах рассказывается о скульпторе Пигмалионе, который высек из мрамора прекрасную девушку и влюбился в нее. Венера, вняв мольбам Пигмалиона, вдохнула жизнь в созданную им статую. Момент появления окруженной свитой богини и оживление Галатеи изображает Буше. Ярко и материально написан первый план картины, скульптор и окружающие его работы. Но чувствуется желание художника выявить и второй, «нереальный», план: мастерская в глубине наполнилась серебристыми облаками; на них восседает почти прозрачная, неземная Венера. Мраморная Галатея начинает оживать. Лицо ее розовеет, исчезает застылость, руки вот-вот встрепенутся... Античный миф рассказан художником со свойственными французу XVIII века изяществом и манерностью. Буше, который обычно легко и быстро писал свои полотна, видимо, тщательно разрабатывал композицию этого произведения.
Известно, что на распродаже имущества художника, состоявшейся после его смерти, появился выполненный гризайлью подготовительный эскиз к «Пигмалиону». Картина Буше с ее характерным сюжетом, колоритом и трактовкой образов дает прекрасное представление о декоративной живописи стиля рококо.
КЛОД-ОСКАР МОНЕ
1840-1926
Ок. 1867 г. Холст, масло. 80 X 99 см.
Слева внизу: Claude Monet
Когда Клод Моне писал картину, известную теперь под названием «Дама в саду», он уже заявил о себе как о новаторе в пейзажной живописи, восставшем против правил и рецептов старого искусства. Художник считал недостаточным писать на природе этюды, а затем в мастерской создавать по ним картину (как это обычно делали пейзажисты старшего поколения). Стремясь запечатлеть видимую им природу более точно и непосредственно, Моне решился на смелый шаг: начал писать картину прямо с натуры или, как тогда стали говорить, на пленере. Изображение природы приобрело особую свежесть и конкретность. Однако новый метод привел к несколько неожиданным результатам и заставил художника сделать далеко идущие выводы. Моне понял, что при изображении постоянно меняющейся натуры главной задачей становится передача солнечного освещения.
В картине «Дама в саду» Моне выбирает утренний час, когда свет и тени разделены более четко, чем в знойный полдень, а краски сохраняют яркость и чистоту. В соответствии с основным замыслом он подчеркивает светотеневые контрасты: на фоне темной стены тополей сверкают насыщенные солнечным светом пятна — цветущее деревце; за ним, в глубине,— другое; и слева — фигура молодой женщины в голубом платье. Стремясь достигнуть максимального эффекта в передаче освещения, Моне сгущает тени вокруг предметов. Однако, внимательно наблюдая природу, художник увидел, что и тени наполнены светом. Поэтому в своих пейзажах он старается избежать глухой черноты в затененных местах и, по возможности, не пользоваться черной краской. В картине «Дама в саду» это ему еще не вполне удается.
Интенсивность освещения Моне передает при помощи чистого цвета. Так, цветы на солнечной стороне клумбы он пишет яркой киноварью, на затененной — более холодным краплаком. По тому же принципу дифференцирует он зелень травы. Пристальное изучение натуры приводит его к употреблению большого количества оттенков зеленого.
В ранней картине «Дама в саду» контрасты света и тени слишком прямолинейны, живопись местами жестковата, а цвет еще несколько резок, но он приобретает определяющее значение и это становится важнейшим признаком всего последующего искусства.
Картину отличает ясная и строгая композиция, явно рационалистическая при всей своей естественности. Нечеткое пространственное построение указывает на преемственную связь искусства Моне с традицией всей французской пейзажной живописи. Вместе с тем изображаемый мотив исполнен тонкой поэтичности.
Точная и эмоционально насыщенная, интерпретация действительности стала неотъемлемой чертой французского импрессионизма, начало которому положили в 1860-х годах Моне и его соратники Писсарро, Сислей, Ренуар.
Картина поступила в Эрмитаж в 1930 году из Государственного музея нового западного искусства в Москве.
ПЬЕР-ОГЮСТ РЕНУАР
1841-1919
1877-78.
На парадном портрете кисти Ренуара в полный рост изображена примадонна парижского театра «Комеди Франсез». Художник написал молодую цветущую женщину в длинном вечернем платье с шлейфом, стоящей в театральном фойе.
Стоявший у истоков имперссионизма, Ренуар в этой работе обратился к классическим приемам, строгой композиции. На полотне практически не заметны контуры, отсутствуют светотеневые моделировки формы, характерные для импрессионистов. От новейшей техники художник вернулся к мягким переходам прозрачных пастельных красок, благодаря чему Жанна Самари запечатлена для потомков в столь женственном образе.
В 1877-1878 годы художник неоднократно изображал актрису, которая жила неподалеку от студии художника, и нередко позировала. Сам Ренуар говорил, что ее кожа «излучает сияние». До наших дней сохранились три ее портрета, очень разных по стилю, композиции, цветовой палитре. В музее изобразительных искуств им. А.С.Пушкина хранится наиболее импрессионистский по стилю портрет актрисы. Предполагают, чо это подготовительная работа к полнофигурному эрмитажному варианту.
Эта кртина была изначально предназначена для ежегодной выставки. Возможно, именно поэтому Ренуар написал столь официальный портрет молодой актрисы.
Художник любил писать парижанок, с их лукавством, тонким шармом, изяществом движений.
ВИНСЕНТ ВАН-ГОГ
1853-1890
1890 г.
Манере письма Ван Гога свойственны тонкие, раздельные мазки, мощная динамика форм и преувеличеная яркость красок. В числе не самых знаменитых его работ, хранящихся в Эрмитаже, и «Куст». Однако это одно из прекраснейших его произведений. На картине изображен уголок сада психиатрической лечебницы в Сен-Реми, где художник проввел несколько лет жизни. Тропинка, окаймленная цветущими ирисами, встречается и в других работах Ван Гога, в частности на картине «Сад в Сен-Реми». В письме к брату художник пишет: «... Пишу две картины. Оба мотива - фиолетовые ирися и куст сирени - я нашел в местном саду».
На картине выразительность фактуры создает ощущение трепета листьев, так что зритель погружается в атмосферу жаркого дня на юге Франции. На первый взгляд картина искрится внутренней радостью. Возможно, это была попытка тяжело страдавшего об болезни художника отключиться от действительности, уйти в красоту природы. Прекрасны цветы и густые травы на переднем плане, яркие краски цветущего куста сирени. Однако интенсивный синий фон показывает, насколько сильное душевное напряжение переживал Ван Гог, насколько усилилась болезнь в конце его недолгой, но плодотворной жизни.
Ранее эту картину относили к «Апрельскому периоду», однако сейчас точно известно, что она была написана за год до смерти художника, когда он находился в пиюте для душевнобольных.
ПАБЛО ПИКАССО
1881-1973
1901 г.
Справа наверху: Picasso.
В 1901 году юный Пабло Пикассо переехал в Париж. Сцены из жизни парижских кафе неоднократно служила предметом изображения художников XIX столетия, начиная с Дега, но у Пикассо эта тема получила новое звучание. Трудно поверить, что
«Любительница абсента» была создана 20-летним художником. Драма одиночества здесь показана с удивительной силой.
Будучи превосходным рисовальщиком, Пикассо исказал пропорции, деформировал фигуры, удлиннял руки, пальцы, округлял плечи. Все это делалось не ради внешнего эффекта, а для точной передачи психологической характеристики образа.
Приближение к зрителю плоскости стены и стола, сам колорит картины, выраженной в сочетании синих, коричнево-красных, зеленоватых тонов, напоминает о живописи Гогена, напряженность - творчество Ван Гога. Считается, что работа «Любительница абсента» открывает т.н. «голубой» период творчества Пикассо. В это время трудные обстоятельства его жизни нашли отражение в произведениях, в которых ярко выражены упаднические настроения, темы смерти, старости, нищеты, одиночества. Этот период художник отдает предпочтение голубовато-серым оттенкам. Хотя цветовое решение работы «Любительница абсента» еще приобрела холодного тона, однако она наполнена пронзительным ощущением личной трагедии.