Художественная культура эпохи Возрождения

Искусство Возрождения в Италии (XIII—XVI вв.).

ПРИ СОСТАВЛЕНИИ страницы ИСПОЛЬЗОВАНЫ МАТЕРИАЛЫ РЕСУРСА http://artclassic.edu.ru

Особенности искусства эпохи Возрождения в Италии.

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus — «человечный») — течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV и в XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Последователи этого течения считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее полно и ярко воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое Италии, постоянно напоминавшее о себе, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство Средних веков казалось неумелым и варварским. Термин «возрождение», возникший в XVI в., означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру. Тем не менее, искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находились в нерасторжимой связи и противоборстве. При всем противоречивом многообразии своих истоков искусство Возрождения отмечено глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись и графика, скульптура, архитектура — чрезвычайно изменились.

В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшавшими архитектурные сооружения, появилась картина; возникла живопись масляными красками.

Искусство еще не перестало быть ремеслом, однако на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была весьма многообразной. Поразительна универсальная одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали одновременно в области архитектуры, скульптуры и живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной» личности стало впоследствии нарицательным.

В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своем стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей — правящих богатых семейств, которые были крупнейшими покровителями и заказчиками произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени, все прочие центры культуры, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV вв.),

Раннее Возрождение (XV в.),

Высокое Возрождение (конец XV — первая треть XVI в.)

Позднее Возрождение (последние две трети XVI в.).

Проторенессанс

В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства, которое впоследствии станет именоваться искусством Возрождения. Поэтому этот период его истории и назвали Проторенессансом (от греч. «протос» — «первый», т.е. подготовивший наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой же Италии проторенессансное искусство возникло и развивалось только в Тоскане и Риме.

В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. Последний поэт Средневековья и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265—1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия - Франческо Петрарка (1304—1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313—1375), основоположник жанра новеллы (короткого рассказа) в мировой литературе. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Архитектура

Итальянская архитектура в течение длительного времени следовала средневековым традициям, что выражалось, главным образом, в использовании большого количества мотивов готики. Вместе с тем сама итальянская готика сильно отличалась от готической архитектуры северной Европы: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям, широким поверхностям стен. В 1296 г. во Флоренции начали строить собор Санта-Мария дель Фьоре. Арнольфо ди Камбио хотел увенчать алтарную часть собора огромным куполом. Однако после смерти зодчего в 1310 г. строительство затянулось, его завершили уже в период Раннего Возрождения. В 1334 г. по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы — стройной прямоугольной башни с поэтажными горизонтальными членениями и изящными готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итальянской архитектуре.

Среди наиболее известных городских дворцов — палаццо Веккьо (палаццо делла Синьория) во Флоренции. Предполагают, что его построил Арнольфо ди Камбио. Это тяжелый куб с высокой башней, облицованный рустом из твердого камня. Трехэтажный фасад украшен парными окнами, вписанными в полукруглые арки, что придает всему зданию впечатление сдержанной строгости. Здание определяет облик старого городского центра, суровой громадой вторгаясь на площадь.

Скульптура

Раньше, чем в архитектуре и живописи, художественные искания наметились в скульптуре, и прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284). Никколо Пизано родился в Апулии, на юге Италии. Полагают, что ваянию он обучался именно в южных школах, где процветал дух возрождения классических традиций античности. Вне всякого сомнения, Никколо изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Самая ранняя из ныне известных работ скульптора — шестиугольная мраморная кафедра, выполненная им для баптистерия в Пизе (1260), — стала выдающимся произведением ренессансной скульптуры и оказала огромное влияние на ее дальнейшее развитие. Главное достижение ваятеля состоит в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный также как архитектор. Арнольфо ди Камбио (около 1245 — после 1310) тяготел к монументальной скульптуре, в которой использовал свои жизненные наблюдения. Одна из лучших работ, выполненная им совместно с отцом и сыном Пизано, — фонтан на площади Перуджи (1278). Фонте Маджоре, украшенный многочисленными статуями и рельефами, стал гордостью города. Запрещалось поить из него животных, брать воду в бочонки из-под вина или в немытую посуду. В городском музее сохранились фрагменты полулежащих фигур, выполненных Арнольфо ди Камбио для фонтана. В этих фигурах скульптор сумел передать все богатство движений человеческого тела.

Живопись

В искусстве итальянского Возрождения настенная живопись занимала господствующее место. Она выполнялась в технике фрески. Приготовленными на воде красками писали либо по сырой штукатурке (собственно фреска), либо по сухой — эта техника называется «а секко» (в переводе с итальянского — «по сухому»). Основное связующее вещество штукатурки — известь. Т.к. для высыхания извести требуется немного времени, фресковая роспись должна была выполняться быстро, нередко по частям, между которыми оставались соединительные швы. Со второй половины XV в. технику фрески стали дополнять живописью а секко; последняя позволяла работать более медленно и допускала отделку деталей. Работе над росписями предшествовало изготовление синопий — вспомогательных рисунков, нанесенных под фреску по первому слою штукатурки. Эти рисунки выполнялись красной охрой, которая добывалась из глины близ города Синоп, располагавшегося на берегу Черного моря. По названию города краску называли синопской, или синопией, впоследствии так же стали называться и сами рисунки. Синопии применялись в итальянской живописи с XIII до середины XV в. Однако не все живописцы прибегали к помощи синопий — например, Джотто ди Бондоне, виднейший представитель эпохи Проторенессанса, обходился без них. Постепенно от синопий отказались. С середины XV в. широкое распространение в живописи получили картоны — выполненные на бумаге или на ткани подготовительные рисунки в размере будущих произведений. Контуры рисунка переносили на влажную штукатурку с помощью угольной пыли. Ее продували через проколотые в контуре дырочки и вдавливали в штукатурку каким-либо острым инструментом. Иногда синопии из эскизного наброска превращались в законченный монументальный рисунок, а картоны приобретали значение самостоятельных произведений живописи.

Родоначальником нового итальянского стиля живописи считается Чимабуэ (собственно Ченни ди Пепо, ок. 1240 — ок. 1302). Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. И хотя Чимабуэ в своем творчестве следовал византийским традициям, в своих работах он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.

Пьеро Каваллини (между 1240 и 1250 — около 1330) жил и работал в Риме. Он является автором мозаик церкви Санта-Мария ин Трастевере (1291), а также фресок церкви Санта-Чечилия ин Трастевере (около 1293). В своих произведениях Каваллини придавал формам объемность и осязаемость.

Достижения Каваллини перенял и продолжил Джотто ди Бондоне (1266 или 1267 — 1337), величайший художник Проторенессанса. С именем Джотто связан поворот в развитии итальянской живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства XIII в. Наиболее известные произведения Джотто — росписи капеллы дель Арена в Падуе (1304—06). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью, наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам. Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон, Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей: с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами, правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами. Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции. Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения передается мимикой лица, жестами, позой. Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж, интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.

Во второй половине XIV в. на первое место выходит живописная школа Сиены. Крупнейшим и наиболее изысканным мастером сиенской живописи XIV в. был Симоне Мартини (ок. 1284—1344). Кисти Симоне Мартини принадлежит первое в истории искусства изображение конкретного исторического события с портретом современника. Это изображение «Кондотьера Гвидориччо да Фольяно» в зале Маппамондо (Карты Мира) в палаццо Публико (Сиена), явившееся прототипом для многочисленных будущих конных портретов. Заслуженной известностью пользуется алтарный образ «Благовещение» кисти Симоне Мартини, ныне хранящийся в галерее Уффици во Флоренции

Раннее Возрождение

В XV в. искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской (т.е. не церковной) культуры были заложены во Флоренции, оттеснившей на второй план Сиену и Пизу. Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, сильнейшее влияние на городские дела оказывали несколько богатых семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце XIV в. победой банкирского дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы, художники. Своего расцвета ренессансная культура Флоренции достигла при Лоренцо Медичи, прозванном Великолепным. Лоренцо был великим покровителем искусств и наук, создателем Платоновской Академии, где собирались выдающиеся умы Италии, поэты и философы, где велись утонченные диспуты, возвышающие дух и разум.

Архитектура

При Козимо и Лоренцо Медичи в архитектуре Флоренции произошел подлинный переворот: здесь развернулось широкое строительство, значительно изменившее облик города. Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. Величайшим инженерным достижением Брунеллески стало возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Благодаря своему математическому и техническому гению Брунеллески удалось решить сложнейшую для своего времени задачу. Главная трудность, которая встала перед мастером, была вызвана гигантским размером пролета средокрестья (42 м), что потребовало специальных усилий для облегчения распора. Брунеллески разрешил проблему путем применения остроумной конструкции: легкий пустотелый купол, состоящий из двух оболочек, каркасная система из восьми несущих ребер, связанных опоясывающими их кольцами, световой фонарь, замыкающий и нагружающий свод. Купол собора Санта-Мария дель Фьоре стал предшественником многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.

Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему (Оспедале дельи Инноченти (приют для подкидышей), 1421—44), положил начало созданию купольных храмов на основе античного ордера (Церковь Сан-Лоренцо). Подлинной жемчужиной Раннего Возрождения стала созданная Брунеллески по заказу богатого флорентийского семейства капелла Пацци (начата в 1429). Гуманизм и поэтичность творчества Брунеллески, гармоничная соразмерность, легкость и изящество его построек, сохраняющих связь с традициями готики, творческая свобода и научная обоснованность его замыслов определили большое влияние Брунеллески на последующее развитие архитектуры Возрождения.

Одним из главных достижений итальянской архитектуры XV в. стало создание нового типа городских дворцов-палаццо, послужившего образцом для общественных зданий более позднего времени. Особенностями палаццо XV в. являются четкое разделение замкнутого объема здания на три этажа, открытый внутренний двор с летними поэтажными аркадами, применение руста (камня с грубо околотой или выпуклой лицевой поверхностью) для облицовки фасада, а также сильно вынесенный декоративный карниз. Ярким образцом этого стиля является капитальная постройка ученика Брунеллески Микелоццо ди Бартоломмео (1396—1472), придворного архитектора семьи Медичи, — палаццо Медичи - Риккарди (1444—60), послужившее образцом при строительстве многих флорентийских дворцов. Творению Микелоццо близок палаццо Строцци (заложен в 1481), который связывают с именем архитектора и скульптора Бенедетто да Майано (1442—97).

Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти (1404—72). Всесторонне одаренный и широко образованный человек, он был одним из самых блестящих гуманистов своего времени. Круг его интересов был необычайно разнообразен. Он охватывал мораль и право, математику, механику, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру. Блестящий стилист, Альберти оставил многочисленные труды на латинском и итальянском языках. В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. Его перу принадлежат знаменитые трактаты «Десять книг о зодчестве» (1449—52), «О живописи», «О статуе» (1435—36). Но главным призванием Альберти была архитектура. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94). Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения.

Скульптура

В XV в. итальянская скульптура, приобретшая самостоятельное, независимое от архитектуры значение, переживает расцвет. В практику художественной жизни начинают входить заказы на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы. Один из таких конкурсов — на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия (1401) — считается знаменательным событием, открывшим новую страницу в истории итальянской ренессансной скульптуры. Победу одержал Лоренцо Гиберти (1381—1455).

Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, блестящий рисовальщик, Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Главным принципом своего искусства Гиберти считал равновесие и гармонию всех элементов изображения. Вершиной творчества Гиберти явились восточные двери флорентийского баптистерия (1425—52), обессмертившие имя мастера. Декорация дверей включает десять квадратных композиций из позолоченной бронзы («Сотворение Адама и Евы»), своей необыкновенной выразительностью напоминающих живописные картины. Художнику удалось передать глубину пространства, насыщенного картинами природы, фигурками людей, архитектурными сооружениями. С легкой руки Микеланджело восточные двери флорентийского баптистерия стали называть «Вратами рая».

Мастерская Гиберти стала школой для целого поколения художников, в частности, там работал знаменитый Донателло, великий реформатор итальянской скульптуры. Творчество Донателло (ок. 1386—1466), впитавшее демократические традиции культуры Флоренции XIV в., представляет собой одну из вершин развития искусства Раннего Возрождения. В нём воплотились свойственные искусству Ренессанса поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Влияние творчества Донателло на развитие итальянского искусства эпохи Возрождения было огромным.

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворенному, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семейству скульпторов делла Роббиа. Глава семьи, Лукка делла Роббиа (1399/1400 — 1482), прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, в Средние века была завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку (откуда и пошло ее название), а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа и святых. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525) (рельефы на фасаде Оспедале дельи Инноченти).

Живопись

Огромная роль, которую в архитектуре Раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо (1401—1428). Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и тем не менее успел в живописи сделать очень многое. Известный историк искусства Виппер сказал: «Мазаччо — один из самых независимых и последовательных гениев в истории европейской живописи, основатель нового реализма…» Продолжая искания Джотто, Мазаччо смело порывает со средневековыми художественными традициями. Во фреске «Троица» (1426—27), созданной для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции, впервые в настенной живописи Мазаччо применяет полную перспективу. В росписях капеллы Бранкаччи церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции (1425—28) — главном творении своей недолгой жизни — Мазаччо придает изображениям невиданную ранее жизненную убедительность, подчеркивает телесность и монументальность своих персонажей, мастерски передает эмоциональное состояние психологическую глубину образов. Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнаженной человеческой фигуры. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения.

Развитие живописи Раннего Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—69), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи — Риккарди, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

В середине XV в. живопись Центральной Италии пережила бурный расцвет, ярким примером которого может служить творчество Пьеро делла Франческа (1420—92), крупнейшего художника и теоретика искусства эпохи Возрождения. Самое замечательное творение Пьеро делла Франческа — цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо, в основу которых положена легенда о Животворящем древе креста. Расположенные в три яруса фрески прослеживают историю животворящего креста от самого начала, когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама произрастает священное дерево («Смерть Адама») и до конца, когда византийский император Ираклий торжественно возвращает христианскую реликвию в Иерусалим («Битва между Ираклием и Хосроем»). Творчество Пьеро делла Франческа вышло за пределы местных живописных школ и определило развитие итальянского искусства в целом.

Во второй половине XV столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие талантливые мастера. Среди живописцев этого времени наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431—1506) — мастер станковой и монументальной живописи, рисовальщик и гравер, скульптор и архитектор. Живописная манера художника отличается чеканностью форм и рисунка, строгостью и правдивостью обобщенных образов. Благодаря пространственной глубине и скульптурности фигур Мантенья достигает впечатления застывшей на мгновенье реальной сцены — настолько объемно и естественно выглядят его персонажи. Большую часть жизни Мантенья прожил в Мантуе, где создал самое известное свое произведение — роспись «Камеры дельи Спози» в загородном замке маркиза Л. Гонзага. Одними лишь средствами живописи он создал здесь роскошный ренессансный интерьер, место для торжественных приемов и праздников. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю северо-итальянскую живопись.

Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (собственно Алессандро ди Мариано Филипепи), который родился в 1445 г. во Флоренции в семье зажиточного дубильщика кож. В 1459—64 гг. юноша обучается живописи у известного флорентийского мастера Филиппо Липпи. В 1470 г. он открыл свою собственную мастерскую во Флоренции, а в 1472 г. стал членом гильдии Св. Луки.

Первым творением Боттичелли была композиция «Сила», которую он выполнил для торгового суда Флоренции. Молодой художник быстро завоевал доверие заказчиков и получил известность, чем привлек внимание Лоренцо Великолепного, нового правителя Флоренции, стал его придворным мастером и фаворитом. Большую часть своих картин Боттичелли выполнил для домов герцога и других знатных флорентийских семейств, а также для церквей, монастырей и общественных зданий Флоренции..

Вторая половина 1470-х и 1480-е гг. стали для Боттичелли периодом творческого расцвета. Для главного фасада церкви Санта-Мария Новелла он пишет композицию «Поклонение волхвов» — своеобразный мифологизированный групповой портрет семейства Медичи. Несколькими годами позже художник создает свою знаменитую мифологическую аллегорию «Весна».

В 1481 г. Папа Сикст IV заказал группе живописцев, среди которых был Боттичелли, украсить фресками свою капеллу, которая впоследствии получила наименование «Сикстинской». В Сикстинской капелле Боттичелли выполнены фрески «Искушение Христа», «Сцены из жизни Моисея», «Наказание Корея, Дафана и Авирона». В последующие несколько лет Боттичелли выполнил серию из 4 фресок по мотивам новелл из «Декамерона» Боккаччо, создал свои наиболее известные мифологические работы («Рождение Венеры», «Паллада и Кентавр»), а также несколько алтарных композиций для флорентийских церквей («Коронация Девы Марии», «Алтарь Сан-Барнаба»). Много раз он обращался к образу мадонны («Мадонна дель Маньификат», «Мадонна с гранатом», «Мадонна с книгой»), работал также в жанре портрета («Портрет Джулиано Медичи», «Портрет молодой женщины», «Портрет юноши»).

В 1490-е гг., в период потрясших Флоренцию социальных движений и мистических проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются морализаторские нотки и драматизм («Клевета», «Оплакивание Христа», «Мистическое рождество»). Под влиянием Савонаролы в порыве религиозной экзальтации художник даже уничтожил некоторые свои работы. В середине 1490-х гг., со смертью Лоренцо Великолепного и изгнанием из Флоренции его сына Пьетро, Боттичелли теряет славу великого художника. Забытый, он тихо доживает свой век в доме брата Симона. В 1510 году художник умер.

Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации (т.е. обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения цвета, формы и объема) считается одной из вершин развития живописи. В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. Исключительно чуткий и искренний, Боттичелли прошел сложный и трагический путь творческих исканий — от поэтического восприятия мира в юности до мистицизма и религиозной экзальтации в зрелом возрасте.

Высокое Возрождение

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период времени — конец XV и первую треть XVI вв. Только в Венеции расцвет искусства продолжался до середины столетия.

Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлетами и последующим кризисом.

Донато Браманте.

Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на базе предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444—1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути развития архитектуры XVI в.

Леонардо да Винчи.

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452—1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, ученого и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия, насчитывающие свыше семи тысяч листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. Универсализм Леонардо настолько непостижим, что знаменитый биограф деятелей Возрождения Джорджо Вазари не смог объяснить этот феномен иначе, как вмешательством небес: «К чему бы ни обратился этот человек, каждое его действие носит печать божественности».

В своем знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Леонардо отдал дань не только теории искусства. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов. Кисти Леонардо принадлежит одно из самых прославленных произведений мировой живописи — «Мона Лиза» («Джоконда»). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо по сей день остается одной из самых харизматических личностей эпохи Возрождения. Ему посвящено огромное количество книг, подробнейшим образом изучена его жизнь. И, тем не менее, многое в его творчестве остается загадкой и продолжает будоражить умы людей.

Рафаэль Санти.

Искусство Рафаэля Санти (1483—1520) также принадлежит к вершинам итальянского Возрождения. С творчеством Рафаэля в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем естественном изяществе («Сикстинская мадонна»). Может быть, поэтому мастер приобрел такую необычайную популярность у публики и имел множество последователей среди художников во все времена. Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором, мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане («Афинская школа»). В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения — прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно.

Микеланджело Буонаротти.

Современником Леонардо да Винчи и Рафаэля был их вечный соперник — Микеланджело Буонарроти, величайший мастер Высокого Возрождения — ваятель, живописец, архитектор и поэт. Свой творческий путь этот титан Возрождения начал со скульптуры. Его колоссальные статуи стали символом нового человека — героя и борца («Давид»). Мастер возвел немало архитектурно-скульптурных сооружений, самое знаменитое из которых — капелла Медичи во Флоренции. Великолепие этих произведений строится на колоссальном напряжении чувств персонажей (Саркофаг Джулиано Медичи). Но особенно знамениты росписи Микеланджело в Ватикане, в Сикстинской капелле, в которых он проявил себя как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве, ни до ни после Микеланджело, не создавал таких сильных телом и духом персонажей («Сотворение Адама»). Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников; она и по сей день остается непревзойденным монументальным произведением итальянской живописи. Но кроме росписей плафона Сикстинской капеллы, мастер, уже в старости, создал яростно-вдохновенный «Страшный суд» — символ крушения идеалов своей великой эпохи.

Микеланджело много и плодотворно работал в архитектуре, в частности, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило свое время, оно сыграло колоссальную роль в мировом искусстве, в частности, оказало влияние на формирование принципов барокко.

Джорджоне и Тициан.

В историю искусства Высокого Возрождения яркую страницу вписала Венеция, где наивысшего расцвета живопись. Джорджоне считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции. Его искусство совершенно особое. В нем царит дух ясной гармонии и какой-то особенной интимной созерцательности и мечтательности. Он часто писал восхитительных красавиц, настоящих богинь. Обычно это поэтический вымысел — воплощение несбыточной мечты, преклонение перед романтическим чувством и прекрасной женщиной. В его картинах таится намек на чувственную страсть, на сладостное наслаждение, на неземное счастье. С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.

Тициан вошел в историю итальянского искусства как титан и глава венецианской школы, как символ ее расцвета. В творчестве этого художника с особой силой проявилось дыхание новой эпохи — бурной, трагической, чувственной. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан явился одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты — со сценами ликующей радости, религиозные композиции — с мифологическими и историческими картинами.

Тициан выработал новую живописную технику, оказавшую исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до XX в., развитие мирового изобразительного искусства. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи. Его картины сияют золотом и сложной гаммой вибрирующих светоносных полутонов цвета. Тициан, проживший почти столетие, пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера наполовину принадлежит эпохе Позднего Возрождения. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами, погибает, но сохраняет свое величие. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве.

Позднее Возрождение

Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиренессансные тенденции, воплотившиеся в маньеризме. Однако маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия стала главным очагом искусства Позднего Возрождения. В русле высокой гуманистической ренессансной традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащенное новыми формами творчество великих мастеров Позднего Возрождения — Палладио, Веронезе, Тинторетто.

Андреа Палладио

Творчество северо-итальянского архитектора Андреа Палладио (1508—80), основанное на глубоком изучении античной и ренессансной архитектуры, представляет собой одну из вершин в искусстве Позднего Возрождения. Палладио выработал принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII—XVIII вв. и получили название палладианства. Свои идеи зодчий изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Постройки Палладио (преимущественно городские дворцы и виллы) исполнены изящной красоты и естественности, гармоничной завершенности и строгой упорядоченности, отличаются ясностью и целесообразностью планировки и органической связью с окружающей средой (палаццо Кьерикати). Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом с особой силой проявилось в виллах Палладио, проникнутых элегически-просветленным чувством природы и отмеченных классической ясностью и простотой форм и композиции (вилла Капра (Ротонда)). Палладио создал первое монументальное театральное здание в Италии — театр Олимпико. Влияние Палладио на развитие архитектуры последующих веков было огромным.

Веронезе и Тинторетто..

Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе. Художник-монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей. Веронезе создал собственный стиль: его зрелищные, эффектные картины полны эмоций, страсти и жизни, а герои, венецианская знать, располагаются обычно в патрицианских дворцах или на фоне роскошной природы. Они увлечены грандиозными пиршествами или феерическими празднествами («Брак в Кане»). Веронезе был мастером веселящейся Венеции, ее триумфов, поэтом ее золотого блеска. Веронезе обладал исключительным даром колориста. Его краски пронизаны светом, интенсивны и не просто наделяют предметы цветом, а сами претворяются в предмет, превращаясь в облака, ткань, тело человека. В силу этого реальная красота фигур и предметов множится на красоту цвета и фактуры, что производит на зрителя сильнейшее эмоциональное воздействие.

Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518—94) — последний крупный мастер итальянского Возрождения. Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности Тинторетто. В своем творчестве он был гигантской фигурой, творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у последующих поколений. Тинторетто отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий. Он острее и глубже, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности; расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства.

Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии.

Искусство маньеризма.

Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит от итальянского слова maniera — «манера», «прием», «художественный почерк. Маньеризм в своем наиболее общем выражении обозначает антиренессансное течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшееся вплоть до 1590 г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия мира. Человек оказывается во власти сверхъестественных сил. Мир предстает неустойчивым, шатким, находящимся в состоянии распада. Образы маньеризма полны тревоги, беспокойства, напряженности. Художник удаляется от натуры, стремится ее превзойти, следуя в своем творчестве субъективной «внутренней идее», основой которой является не реальный мир, а творческое воображение; средством же исполнения служит «прекрасная манера» как сумма определенных приемов. Среди них — произвольная вытянутость фигур, сложный змеевидный ритм, нереальность фантастического пространства и света, подчас холодные пронзительные краски.

Самым крупным и одаренным мастером маньеризма, живописцем сложной творческой судьбы был Якопо Понтормо (1494—1556). В его известной картине «Снятие со креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки. Франческо Маццола, прозванный Пармиджанино (1503—40) любил поразить зрителя: например, написал свой «Автопортрет в выпуклом зеркале». Намеренная нарочитость отличает его знаменитую картину «Мадонна с длинной шеей».

Придворный художник Медичи Аньоло Бронзино (1503—72) известен своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги итальянского общества. Знатные заказчики Бронзино как бы отделены от зрителя невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд, жесты прекрасных парадных рук — все это словно внешняя оболочка, скрывающая внутреннюю ущербную жизнь. В портрете Элеоноры Толедской с сыном (ок. 1545) недоступность холодного, отчужденного образа усилена тем, что внимание зрителя полностью поглощено плоским крупным узором великолепной парчовой одежды герцогини. Созданный маньеристами тип придворного портрета оказал влияние на портретное искусство XVI—XVII вв. во многих других странах Европы.

Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля — барокко.

Искусство Северного Возрождения.

Страны Северной Европы не имели своего античного прошлого, но в их истории выделяется период Ренессанса: с рубежа XV – XVI по вторую половину XVII века. Это время выделяется проникновением ренессансных идеалов в разные сферы культуры и постепенным изменением ее стиля. Как и на родине Ренессанса, в искусстве Северного Возрождения интерес к реальному миру изменил формы художественного творчества. Однако искусству северных стран был не свойственен пафос итальянской живописи, прославляющей могущество человека-титана. Бюргеры (так называли зажиточных горожан) более ценили добропорядочность, верность долгу и слову, святость супружеского обета и домашнего очага. В бюргерских кругах складывался свой идеал человека – ясного, трезвого, благочестивого и деловитого. Искусство бюргеров поэтизирует обычного среднего человека и его мир – мир будничной жизни и простых вещей.

Мастера Возрождения в Нидерландах.

Новые черты ренессансного искусства проявились прежде всего в Нидерландах, которые были одной из самых богатых и промышленно развитых стран Европы. Из-за своих обширных международных связей Нидерланды воспринимали новые открытия гораздо быстрее, чем другие страны Северной Европы.

Стиль Возрождения в Нидерландах открыл Ян Ван Эйк (1390-1441). Самое знаменитое его произведение – Гентский алтарь, над которым художник начал трудиться вместе с братом, а продолжал работать после его смерти самостоятельно еще 6 лет. Гентский алтарь, созданный для городского собора, представляет собой двухъярусный складень, на 12 досках которого – картины повседневной, будничной жизни (на наружных досках, которые были видны, когда складень закрыт) и жизни праздничной, ликующей, преображенной (на внутренних створках, которые представали в открытом виде во время церковных праздников). Это памятник искусства, прославляющий красоту земной жизни. Эмоциональное ощущение Ван Эйка – «мир как рай», каждая частица которого прекрасна, - выражено четко и ясно. Художник опирался на множество наблюдений с натуры. Все фигуры и предметы обладают трехмерной объемностью и весомостью. Братья Ван Эйки одними из первых раскрыли возможности масляной живописи; с этого времени начинается постепенное вытеснение ею темперы.

Во второй половине ХV в., полного политических и религиозных раздоров, в искусстве Нидерландов выделяется сложное, своеобразное искусство Иеронима Босха (1450?-1516). Это очень любопытный художник с необыкновенной фантазией. Он жил в собственном и страшном мире. На картинах Босха – сгущение средневековых фольклорных представлений, гротескные монтажи живого и механического, ужасного и комического. В его композициях, не имевших центра, нет главного действующего лица. Пространство в несколько слоев заполняется многочисленными группами фигур и предметов: чудовищно преувеличенные пресмыкающиеся, жабы, пауки, страшные твари, в которых соединены части разных существ и предметов. Цель композиций Босха – моральное назидание. Босх не находит в природе гармонии и совершенства, его демонические образы напоминают о живучести и вездесущности мирового зла, о круговороте жизни и смерти.

Человек в картинах Босха жалок и слаб. Так, в триптихе «Воз сена» художник раскрывает историю человечества. На левой створке рассказывается история грехопадения Адама и Евы, на правой изображен Ад и все ужасы, которые ждут здесь грешников. Центральная часть картины иллюстрирует народную пословицу «Мир – это стог сена, каждый берет из него то, что удается ему ухватить». Босх показывает, как люди дерутся за клок сена, гибнут под колесами повозки, пытаются влезть на нее. На верху воза, отрешившись от мира, поют и целуются влюбленные. С одной стороны от них ангел, а с другой дьявол: кто перетянет? Жуткие создания влекут воз в преисподнюю. За всеми действиями людей недоуменно взирает Бог. Еще более мрачным настроением проникнута картина «Несение креста»: Христос несет свой тяжкий крест в окружении отвратительных людей с выпученными глазами и разинутыми ртами. Ради них Господь жертвует собой, но его гибель на кресте оставит их равнодушными.

Босх уже умер, когда родился еще один прославленный нидерландский художник – Питер Брейгель Старший (1525-1569), прозванный Мужицким за множество картин, изображавших жизнь крестьян. За основу многих сюжетов Брейгель брал народные пословицы, повседневные заботы простого люда. Полнота образов картин «Крестьянская свадьба» и «Крестьянский танец» несет в себе мощь народной стихии. Даже картины на библейские сюжеты у Брейгеля населены нидерландцами, и события далекой Иудеи происходят на фоне заснеженных улиц под неярким небом его родной страны («Проповедь Иоанна Крестителя»). Показывая, казалось бы, неважное, второстепенное, художник говорит о главном в жизни людей, воссоздает дух своего времени.

Небольшое полотно «Охотники на снегу» (январь) из серии «Времена года» считается одним из непревзойденных шедевров мировой живописи. Усталые охотники с собаками возвращаются домой. Вместе с ними зритель входит на холм, с которого открывается панорама небольшого городка. Заснеженные берега речки, в ясном морозном воздухе застыли колючие деревья, птицы летают, сидят на ветках деревьев и крышах домов, люди заняты своими повседневными делами. Все эти, казалось бы, мелочи вместе с синевой неба, черными деревьями, белым снегом создают в картине панораму мира, который художник страстно любит.

Самая трагическая картина Брейгеля «Притча о слепых» написана художником незадолго до смерти. Она иллюстрирует евангельский сюжет «если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму». Возможно, это образ человечества, ослепленного своими желаниями, двигающегося навстречу своей гибели. Впрочем, Брейгель не судит, а, постигая законы взаимоотношений людей друг с другом, с окружающей средой, проникая в суть человеческой природы, открывает людям самих себя, их место в мире.

Живопись Германии в эпоху Возрождения.

Черты Возрождения в искусстве Германии появляются позднее, чем в Нидерландах. Расцвет немецкого гуманизма, светских наук и культуры падает на первые годы XVI в. Это был краткий период, в течение которого немецкая культура дала миру высочайшие художественные ценности. К ним в первую очередь следует отнести работы Альбрехта Дюрера (1471-1528) – самого крупного художника Немецкого Возрождения.

Дюрер – типичный представитель эпохи Возрождения, он был и живописцем, и гравёром, и математиком, и инженером, писал трактаты по фортификации и теории искусства. На автопортретах он предстает интеллигентным, благородным, сосредоточенным, полным глубоких философских раздумий. В картинах Дюрер не довольствуется формальной красотой, а стремится дать символическое выражение отвлеченных мыслей.

Особое место в творческом наследии Дюрера принадлежит серии «Апокалипсис», которая включает 15 больших гравюр на дереве. Дюрер иллюстрирует предсказания из «Откровения Иоанна Богослова», так, например, лист «Четыре всадника» символизирует ужасные бедствия – войну, мор, голод, неправедный суд. Предчувствие перемен, тяжких испытаний и бедствий, выраженное в гравюрах, оказалось пророческим (вскоре началась Реформация и последовавшие за ней Крестьянская и религиозные войны).

Другим замечательным художником того времени был Лукас Кранах Старший (1472-1553). В Эрмитаже хранятся его картины «Мадонна с младенцем под яблоней» и «Женский портрет». В них мы видим женское лицо, запечатленное на многих картинах мастера (его даже называют «кранаховским»): маленький подбородок, узкий разрез глаз, золотистые волосы. Художник тщательно выписывает украшения и одежду, его картины – праздник для глаз. Чистота и наивность образов еще раз заставляют вглядываться в эти картины. Кранах был замечательным портретистом, он создал образы многих знаменитых современников – Мартина Лютера (который был его другом), герцога Генриха Саксонского и многих других.

Но самым знаменитым портретистом Северного Возрождения без сомнений можно признать другого немецкого живописца Ганса Гольбейна Младшего (1497-1543). Долгое время он был придворным художником английского короля Генриха VIII. В его портрете Гольбейн великолепно передает властную натуру короля, которому незнакомы сомнения. Маленькие умные глаза на мясистом лице выдают в нем тирана. Портрет Генриха VIII был настолько достоверен, что пугал людей, знавших короля. Гольбейн написал портреты многих знаменитых людей того времени, в частности государственного деятеля и писателя Томаса Мора, философа Эразма Роттердамского и многих других.

Развитие культуры Ренессанса в Германии, Нидерландах, некоторых других странах Европы было прервано Реформацией и последовавшими за ней религиозными войнами. Вслед за этим пришло время формирования новых принципов в искусстве, которое вступало в следующий этап своего развития.